E’ questo l’inizio della brillante carriera di un giovane artista che, negli anni in cui le tendenze artistiche dominanti erano quelle dell’Arte Povera e dell’Arte Concettuale, compie una scelta coraggiosa: ritornare alla pittura partendo dalle sale del museo per ritornare al museo. Quindi, non soltanto neon modellati e trasformati in frasi o domande retoriche, cartoni ondulati, tronchi d’albero lavorati nella forma essenziale, fascine e quant’altro fosse quotidiano e “povero”, ma tele e pennelli, forme e colori, generi artistici tradizionali e generi abbandonati “nel cestino della spazzatura”.

Prima di arrivare alla pittura, Salvo passa attraverso un fare artistico concettuale estremamente personale e riconoscibile, come documenta la mostra monografica allestita alla Galleria Civica d’Arte Moderna e Contemporanea di Torino e curata dal Direttore del Museo Pier Giovanni Castagnoli, che ripercorre le tappe fondamentali della carriera dell’artista dagli esordi ad oggi.

Ben conoscendo i meccanismi del mercato dell’arte, Salvo parte da un’autocelebrazione e da un’autostoricizzazione costruendosi, anticipatamente, una personale mitografia attraverso la realizzazione di lapidi in marmo su cui incide frasi sentenziose quali “Io sono il migliore”, “Salvo è vivo”, “Amare me” o inserendo il proprio nome a conclusione di una lista di illustri uomini della storia antica e moderna. Di questo percorso, che sottende una forte carica narcisistica e autoironica, fa parte la serie degli autoritratti fotografici in cui l’artista si rappresenta nella forma di Cristo benedicente (Benedizione di Lucerna, 1970 –’75) per esplicitare il ruolo demiurgico dell’artista e la coincidenza di questi con la propria opera. Antecedente dell’uso del mezzo fotografico è la serie dei 12 autoritratti del 1969, esposti per la prima volta l’anno successivo alla nota Galleria Sperone di Torino, in cui l’artista si rappresenta alternativamente in veste di operaio, di guerrigliero, di barista, di soldato americano, di ballerino, ecc… ad indicare la condizione comune dell’essere sociale “uno, nessuno e centomila”.

Proseguendo nel suo percorso progettuale ed ordinatore di arte agita, meditata e scandita nel tempo, Salvo realizza la serie “Tricolore”, ovvero superfici su cui dipinge, tesse o scrive con il neon il proprio nome in bianco, rosso e verde a voler sottendere la totale identificazione della propria arte con la storia artistica nazionale in una forma di orgoglio nazionalistico. L’iniziale rapporto nominale con il passato diventa esplicito con la serie dei d’apres, vale a dire opere pittoriche ispirate a dipinti antichi di Raffaello, Carpaccio, Pollaiolo, Cosmè Tura, El Greco, Paolo Uccello, ecc…in cui Salvo interviene con vistose sottrazioni o con colori decisamente diversi dall’originale giungendo, così, a realizzare dei lavori “simili non identici”. Si spiega quindi il motivo per cui si vede un San Giorgio con il volto dell’artista o un San Martino/ Salvo che divide il mantello con il povero o uno spettacolare svolgimento ad imitazione di affresco parietale di un Trionfo di San Giorgio del 1974 richiamante l’omonima opera di Vittorio Carpaccio.

Tutta la produzione pittorica di Salvo, da questo momento in avanti, è una volontaria, consapevole e selezionata citazione di stili compositivi e tematici di artisti del passato e di movimenti artistici del Novecento, quali il Futurismo e la pittura Metafisica. Citazioni e richiami che, ogni volta, vengono cristallizzati e assolutizzati in un organigramma ordinatore e in una tavolozza cromatica tenue e tersa ( Autoritratto come San Martino, 1973; I giganti fulminati da Giove, 1977; Apollo e Dafne, 1978; …) o psichedelica e roboante ( cicli dedicati a: Rovine, 1978 – ’79; Bar, 1981; Fabbriche 1987; Interni con funzioni straordinarie, 1990; Stazioni, 1992; Città, 2004, ecc…) incontrovertibilmente nello stile del Pictor optimus Salvo.

Info. “Salvo”, mostra a cura di Pier Giovanni Castagnoli.